第五课 传统与革新——从巴洛克风格到浪漫主义教案公开课一等奖

第五课

传统与革新──从巴洛克艺术到浪漫主义

（1）巴洛克艺术

美术作品资料：

（意）贝尔尼尼设计的《罗马圣彼得大教堂广场》

贝尔尼尼（1598年—1680年）是17世纪意大利最杰出的雕刻家、建筑师和戏剧家、画家，17世纪欧洲流行的巴洛克艺术的代表人物。他一生创作了许多著名的雕刻，如《阿波罗与达芙妮》、《圣德列萨的幻觉》、《大卫》、《普罗赛比娜的掠夺》等，表现出了很高的艺术技巧。在建筑艺术上，也有出色的创造，罗马圣彼得大教堂广场便是他在建筑艺术方面的杰作。

罗马圣彼得大教堂是世界著名的大教堂，它集中了意大利文艺复兴时期建筑技术与艺术的最高成就，是意大利文艺复兴伟大的纪念碑。它始建于1506年，由于教堂中央的大圆顶几经修改，最后由米开朗基罗修改后，于1626年全部竣工，前后历时120年。大教堂从地面到顶点，高达137.8米，是罗马全城的最高建筑。教堂前面的广场以一座古埃及的方尖碑为中心，呈横向椭圆形，长轴长198米，面积为3.5公顷。它和教堂之间用一个梯形广场相接，梯形广场的地面向教堂逐渐升高，以便教皇在教堂前为教徒们祝福时，全场都能看到他。整个广场气势宏伟，最引人注目的是广场两侧的宏伟的柱廊。贝尔尼尼之所以设计这一组柱廊，是有他独特的构思的：就是以广场两侧的柱廊象征基督伸开的两只手臂，教堂中央的大圆顶则象征着基督的头。广大的基督教徒们一进入教堂前的广场，就像进入了基督的怀抱。从宗教宣传的角度来讲，贝尔尼尼的这一构想及其实际效果，是十分成功的。尤其是两侧柱廊由284根多立克式柱子组成，檐头顶上还有98尊圣徒和殉道者雕像。两侧柱廊都分别由四排柱子组成，造成了柱廊内部的错综复杂的明暗变化。唯一的缺陷是，人们站在广场上无法看到大教堂著名的圆顶，这是贝尔尼尼当初没有考虑到的。

《阿波罗与达芙妮》

贝尼尼为罗马红衣主教斯皮奥涅·波尔盖兹的花园装饰了四组群像雕刻，《阿波罗与达芙妮》是其中的一组雕像。目空一切的太阳神阿波罗瞧不起丘彼特的箭艺，这使小爱神很恼火。当阿波罗走近河神女儿达芙妮时，小爱神立即向他们分别发出两支爱情之箭，射向阿波罗的是钟情达芙妮之箭，而达芙妮中的却是拒绝求爱之箭，这引起神界的求爱追逐。当阿波罗即将追逐到女神时，女神大声向河神发出呼救：“亲爱的爸爸快把我十分喜爱的美貌改变吧!”即刻河神将爱女变成一棵月桂树。无奈的太阳神爱之不得，只得取下月桂枝编织成桂冠，赐给一切有成就的人，这就是“桂冠”的由来。善于讲故事的年轻雕刻家，着意塑造阿波罗刚要触摸到女神身体时，女神立即变成月桂树的瞬间情节。它

具有曲折的故事性，雕刻家采用绘画的造型手法塑造了一个具有戏剧性效果的群雕，这是雕坛的空前创举。这组雕像表现了两个处于激烈运动中的人体，人物都处在乘风追奔的运动之中，给人以向上升华、轻盈、充满生命力的优美感觉。激情、激烈运动正是巴洛克艺术的特征。雕刻家以纯熟的征服云石的技巧和信心，使冰冷坚硬的云石变成柔软的肌体和鲜活的生命，表现出各种不同的质感对象。他的伟大之处还在于不用任何支撑物，使开放的运动人体自由地展现在空间中，是米开朗基罗也不曾涉足的创造。从这组作品中，优美流动的曲线变化和纤细的柔美风格上，可以看出贝尼尼对纯正古典美的深刻理解和掌握，这是他对希腊古典雕刻艺术的继承和发展。组雕《阿波罗和达芙妮》的成功，轰动了整个罗马，一个晚上全罗马人都知道继米开朗基罗之后意大利又出一个大雕刻家贝尼尼。一位大主教看了这组雕像激动地说：这是一个诱人的达芙妮。另一位主教还写了一首诗：迷恋的人儿追赶着欢乐，这昙花一现的美色啊！他得到的只是一个苦果，几片绿叶。

《劫夺吕西普斯的女儿》

鲁本斯（1577年—1640年）是17世纪佛兰德斯（今比利时）最著名的画家。擅长宗教、神话、历史、风俗、肖像和风景画。是17世纪欧洲绘画艺术成就最大的画家之一。油画《劫夺吕西普斯的女儿》，此画所描绘的是希腊神话中宙斯的孪生子,看中了两个锡尼国王的娇艳美丽的孪生姐妹,并把她们抢来为妻,它反映了远古时代的一种所谓“抢婚”风俗,看似一场“暴行”,画家却是在歌倾勇士那青春的热情和不羁的性格,歌颂他们对爱情的大胆追求。在这里,画家以强劫和挣扎的运动作为基础,把人物组成一幅富于装饰性的图画,是一件成功的把戏剧性和装饰性相结合的绘画作品。鲁本斯感兴趣的并不在于情节本身的描写，而在于通过劫夺与反劫夺的戏剧性的激烈斗争，把两男两女和两匹骏马组成了一个他最喜欢且最善于表现的复杂而又有强烈动势的构图。使画面洋溢着勃勃生机。热烈明快的色彩，抒发了画家的浪漫情怀。所有这些都集中地显示了巴洛克艺术华丽恢宏的一面。同时，色彩在这一作品中具有极其重要的地位。两匹烈马的浓重的棕黑、青灰色，与女子白皙的肌肤的明亮色调形成鲜明的对比。尤其引人注目的是，鲁本斯笔下的裸体，不论是男是女，都具有肌肉强健、体力充沛、动作粗犷、富于肉感等特点。这一特点始终贯穿在鲁本斯的一系列作品中。这是对人的生命力的积极肯定和歌颂。这一作品中的开阔有力的笔触与富有动感的线条，使画面洋溢着勃勃生机。热烈明快的色彩，抒发了画家的浪漫情怀。所有这些都集中地显示了巴洛克艺术华丽恢宏的一面。

《三美神》

三美神是指贞洁女神、美神和爱神。也有人说是指美神维纳斯、温柔女神塔利亚和欢喜女神阿格莱亚。

在鲁本斯的笔下这些女神都有着健壮丰满、充满生命力的形体，有着秀丽俊美的面孔，整个形象充溢着激情与艺术魅力，体现了画家对女性美的理想。

《玛丽·德·美第奇抵达马赛》

法国亨利四世1610年被天主教徒刺杀后，由王后玛丽·德·美第奇摄政幼子路易十三。玛丽王后想为自己树碑立传，特聘鲁本斯为她创作大型连环历史画《玛丽·德·美第奇的生涯》，共21幅，它们既有相对独立性、又有完整连续性。画家为了回避玛丽王后和路易十三之间的矛盾和历史的真实性，巧妙地运用历史和神话相结合的浪漫主义表现方法。

《玛丽·德·美第奇抵达马赛》是其中第六幅。画中描绘玛丽王后乘宫船抵达马赛港，她盛装立于船上待迎，显得高傲、自尊、神圣不可侵犯的威严，前来迎接的是一位身着古罗马装束，象征马赛的姑娘正向王后伸出双臂，表示马赛欢迎她的光临。画家竭尽热烈豪华，天上人间各有天使美女为她吹奏欢迎乐曲，海神与仙女为她拉纤护卫。神人交混、历史与神话

掺半，热闹非凡，大大满足了玛丽王后的虚荣心。既没有违背历史，又没有得罪王权，唯有外交天才的鲁本斯才能做到。

为使画面美丽动人，画家以鲜艳华丽的色彩和精致的笔触塑造人物形象和环境道具，前景突出描绘了女神丰艳的裸体，肉体的魅力更加强了画面的神话色彩。没有一个画家能像鲁本斯这样描绘人体扭动的动作，肌肉用力时会这样全身骚动。他画的人体，本身就会说话。

《教皇伊诺森西奥十世》

委拉斯开兹在罗马停留期间，受到教皇伊诺森西奥十世的热诚欢迎，画家为教皇画了肖像以表达感激之情。

76岁的教皇想摆出一副仁慈上帝的化身，让画家为自己树一座令人可亲可敬的永久纪念碑。可是委拉斯开兹以自己入木三分的锐利目光，透过教皇虚伪造作的外表发现了他那贫

婪、凶狠、无情冷酷的本质。

画家在构图和人物动作的安排上，紧紧扣住人物精神的传达。教皇正襟危坐在宝座上，身子

微向左侧。在他狭长的面孔上，嵌着一双凶狠的眼睛，斜视着这个世界，他那冷峻逼人的目光令人望而生畏；稍嫌肥厚的鹰钩鼻子内藏奸诈；紧闭的嘴唇上长着稀疏的胡子，威严里含着狠毒；双手架在椅把手上，拉开的架势简直不可一世，那双瘦削无力的手却掌握着教廷的大权。为了再现教皇的个性和权威，画家充分发挥了色彩的表现力：火红的上衣与白色的长袍形成纯净热烈的对比，更衬托出人物面部与手部的光彩；华贵的服饰显现出柔软的质感，在光的照射下闪烁着耀眼的光芒。尽管画家想赞颂教皇，可是他那现实主义的手法却无法美化教皇，呈现在大众面前的是专横跋扈、阴险狠毒、内在空虚而外表自负的教皇形象。据说当这幅肖像完成之后，教皇发自内心地说了一句：“太像我了。”这幅肖像被安放在大厅中央位置，当时一位主教经过大厅时，偶然从垂帘缝里看到这幅画，急忙转首对同

形人小声说道：“讲话轻点，教皇就坐在里面。”作品问世后一位女子教训哭闹的孩子时说：“别哭，教皇坐在那里。”孩子一看竟然不敢再哭了。这则趣闻使西班牙的宫廷画师委拉斯开兹的名声很快传遍罗马、意大利和整个欧洲。因此画家被接纳为罗马画院院士( 当时叫圣路加公会会员

)，这是当时画家的最高荣誉称号。西方评论家曾评价这幅肖像：在欧洲，所有大师的肖像画都是出色的画，唯独委拉斯开兹的这幅不是肖

像画，而是教皇本人。

《宫女》

油画《宫女》是委拉斯凯兹晚年在繁杂的宫廷事务中，挤时间完成的一幅杰作，对于这一作品的解释，即使在西班牙学术界也有争议。现在认识越来越趋向一致。从表面上看，它好像是委拉斯凯兹为小公主和她的宫女们画像，实际上这是画家本人的一幅特殊形式的肖像画。因为从画面的左侧可以看到，手持画笔与调色板正在大幅画布前作画的委拉斯凯兹，他的眼睛正注视着画面以外他所要描绘的对象，而画面中心处悬挂在壁上的镜子里映照出来的国王和王后的像，正说明委拉斯凯兹原来正在给国王、王后画像，在画面上占了主要地位的小公主和宫女实际上是委拉斯凯兹给国王、王后画像时突然闯进了我们现在所见的画面。小公主向前注视的目光，也正是朝着她面前的父母亲。委拉斯凯兹这种利用镜子扩大画面空间的手法，是从文艺复兴时期尼德兰画家扬·凡·埃克的名画《阿尔诺非尼夫妇像》中受到了启发；因为这幅作品当时正收藏在西班牙宫廷，作为西班牙首席宫廷画师的委拉斯凯兹完全有可能看到它。此外，委拉斯凯兹在这一作品中，把奔放的笔触与准确的色彩结合起来的造型方法，与那些先画素描稿，再步步深入的古典技法形成了鲜明的对照，给后来的油画以重要的影响。

《镜前的维纳斯》

1651年夏，委拉斯开兹从意大利返回西班牙，国王晋升他为皇家艺术总监，这使他陷入繁杂的艺术事务中，画家因不能作画而感到十分苦闷，同时，宫廷贵族又反对国王为他授勋，理由是他出生平民，这使大师深感苦恼。

《镜前的维纳斯》这幅极为优美卓越的裸体画，就是在这样的心境下创作的，它是委拉斯开兹唯一最成功的女性画。

据考证，画家是为当时西班牙贵族路易·德里·阿罗所作。画中描绘维纳斯对镜而卧、小爱神为她扶镜观照，横陈的维纳斯背向观众，构图的含蓄明显是受西班牙宗教禁欲主义的影响。

维纳斯是画家最爱描绘的女神，画家往往借女神形象表达自己的社会和审美的理想。不同民族、不同画家塑造的维纳斯是不相同的。威尼斯画家笔下的维纳斯丰艳多姿、典雅庄重；鲁本斯创造的维纳斯搔首弄姿、坚实有力；而委拉斯开兹这幅维纳斯却娇小玲珑、端庄、高贵，她的优美无与伦比，表现了西班牙人的审美观念。

画家以充满节奏感的流动线条，塑造了女性人体美，如果以维纳斯身体环视一周，她的曲线起伏变化宛如一首旋律美妙的乐曲，上身高亢有力，下身平和舒缓。大师素来善用透明凝练的色彩和精到的笔触去描绘复杂的肌肤变化，细嫩的肉体富有勃勃生机，充满了青春气息。这是画家对人类自身美感的赞颂。

《夜巡》

是伦勃朗创作盛期的重要代表作。它是荷兰首都阿姆斯特丹民兵总部订制的

一幅群像肖像画。关于这一作品，过去流传着的说法是：当此画的订制者看到完成了的作品时很不满意，因为画中只突出了几个主要人物，不少人被画在不够显眼的位置，他们要求画家修改此画。结果遭到伦勃朗拒绝。订画者为此向法院提出控告，伦勃朗败诉，他从此成为不受欢迎的画家。他后半生的贫困生活也与《夜巡》一画有关。近几十年来经过许多国外专家的考证，证明上述传统说法并不可靠，乃是伦勃朗死后一些传记作家，为了渲染所谓天才人物生前往往不能为人所理解而制造出来的。事实上，《夜巡》一画最后仍为订制者所接受，伦勃朗也得到了事先议定的报酬。

不管怎么说，从这一作品本身来讲，这一群像肖像画是富有创造性的。画家采用了接近戏剧舞台效果的表现手法，安排了一群民兵正接到命令准备集合出发去执行任务的情节，民兵的负责人弗朗斯·班宁·科克上尉正在集合队伍，所以在画面上处于突出的地位，并好像正在向观众走来。其他人物则呈现出各种各样的举止神态，但都统一到准备集合出发这一情节上来。整个画面明暗对比强烈，但又极富层次感，充分体现了伦勃朗独特的艺术风格。应当说明的是，此画原来画的时间是白天。由于此画被后人涂上了过厚的光油层，加上长时间的岁月的侵蚀和空气污染，以致画面变暗，好像是画的夜景，大约从1880年开始，此画的名称被误传为《夜巡》，直到今天。

《浴女》

伦勃朗所塑造的女性，从不以性感去诱惑观者，而是用来自女性自身的魅力，即亲切、自然、真实的体态打动观众。这幅入浴的女子像，描绘的是他原来的女仆、后来的妻子亨德里克治。画家从生活小节中描绘女性另外的一面，即真烂漫的孩子气。这是一幅心情愉快时即兴写生的肖像画，提着连衣裙、蹑手蹑脚地探步下水的亨德里克治，显示出女性特有的娇态，既胆怯，又温柔，富有一种自然天成的美感，这些特质都在她毫无修饰的姿态中和低垂的脸上表现出来。画家以粗犷的笔触，充满激情地描绘连衣裙，运用明亮与黝暗交织的色彩描绘环境，尤其是那如镜般的池塘倒影，使这位可爱的荷兰女子生动地展现于观众面前，表现了人与环境的自然美感。

《达那厄》

达那厄是画家最喜欢表现的希腊神话题材，阿尔戈斯王阿克里西俄斯占卜预示，说他必死在外孙的手中，这使他很恐惧。为了逃避不幸，阿尔戈斯王专门造了一座铜塔，把未出嫁的女儿达那厄关在塔内与世隔绝，指派一位老妇人监护她。天神宙斯透过塔窗发现美丽的达那厄，一见倾心，常化为一道金光来与达那厄相会，为了支走看管她的老妇人，在老妇人的面前变成一阵黄金雨。不久达那厄怀孕生了一位神话中的英雄珀尔修斯。不同的时代、不同的民族、不同的流派，画家创造的达那厄艺术形象传达的美学观念和蕴含的思想感情是不相同的。伦勃朗笔下的达那厄与别的画家不同，她具有鲜明的艺术个性，体现了画家所处的时代精神和独特的审美理想。画中的达那厄不是提香笔下的少女，而是一位成熟的荷兰妇人，从时代来审视属于荷兰独立之后新时代的社会

理想反映；从现实来考察，画中人是以他的夫人作模特创作的，既真实又有美学意义。在伦勃朗的艺术语言中，明显地受到卡拉瓦乔强烈明暗对比的聚光法影响，但决不等同于卡拉瓦乔的明暗法，它不仅聚光，而且有丰富的明暗层次感，他的用光是为了传达思想，不仅仅是突出形象。在这一幅作品中，他运用了一种火一般的暖光聚于达那厄整个形象，使这一形象呈现出极为鲜明的蓬勃朝气和对未来美好理想的追求和向往。

《蒂尔普医生的解剖课》

自哈尔斯开创群体肖像画之后，群体肖像画成为荷兰绘画的一种独特形式而流行，26岁的伦勃朗以自己赋予情节性独特的构思和聚光法的艺术处理受到画坛和社会瞩目。

画家应阿姆斯特丹外科医生行会委托，为他们的行会成员画团体肖像。按理讲肖像画是没有情节性的，否则就变成风俗画。画家为了使人物形象集中且有主次，画中人物形象又要保持同等地位，各得其所、皆大欢喜。借上解剖学课来刻画每个人的面貌和性格特征。画中人物全部是真实的，为此，画家将每个人的名字写在一张纸上，由中间听课者拿在手上。主讲人是著名的医学博士蒂尔普医生，他作为主要人物，占有画面的一侧主要位置，其余人物以各自专注神态，有变化地穿插安排在一个有深度的平面上，使每个人物所处的位置互不遮挡，并且不受透视影响，大小基本相同，否则订画人是不接受的。

画家采用卡拉瓦乔式的聚光画法，使人物形象受光且突出，是一幅艺术性很高的群体肖像画，为画家的成名之作。

哈尔斯《吉普赛妇女》

（油画，52×58厘米，1628年—1630年作，巴黎卢浮宫藏）

哈尔斯（约1581年—1666年）是17世纪荷兰著名的油画家。他是欧洲油画史上最早运用兼工带写的画家。他的画风轻快，能以娴熟的技巧迅速地画出他所要描绘的人物。笔触明显而十分简练，但造型周全，看不到什么败笔。笔触之间融接得十分紧凑，很有气势，给人以浑然一体的感觉，很有些像中国大写意画的味道。这得力于他作画之前，对他所要表现的对象有全面的、整体的深入了解，而不是像一般画油画那样依靠逐步深入。哈尔斯的《吉普赛妇女》，突出地体现了他的这种画风。哈尔斯的这种洒脱不羁的手法对近代油画有很大影响。

《马勒·巴伯》哈尔斯

马勒·巴伯是一位酒馆的老板娘，她常替酒徒们预卜凶吉。这是一幅带有风俗性的肖像画。

画家敏锐地抓住巴伯正转身狡黠狞笑的一瞬间，突出描绘了她那粗放神秘的情态。让暴发性的变异感情支配整个人物，画家揭示了这一人物的强烈表情，运用粗放而肯定的笔触再现了巴伯的性格。画家为了加强巫婆马勒·巴伯的神秘邪

气，特地在她的肩上立一只卜算用的猫头鹰

( 猫头鹰含义是象征饮酒，荷兰古老谚语说“像头鹰一样地饮酒”，另一象征是黑暗与无知

)，又在前景

置一铜壶，使得画面上产生呼应均衡的艺术效果，白色的帽子和衣领更衬托出面孔形象，由于狞笑使身体产生急剧的抖动，连巫婆的“咯咯”笑声都被画出来了。

维米尔《画家的工作室》

（油画，44.5×62厘米，1634年作，阿姆斯特丹美术馆藏）

维米尔，又译作“弗美尔”（1632年—1675年），17世纪荷兰著名风俗画家，“荷兰小画派”（因画幅尺寸很小，但很精致而得名）的代表人物。他存世作品不多，但多精致，而且主要取材于荷兰普通市民的生活，擅画室内景，尤其善于描绘光线空间和气氛。《画家的工作室》一画的画幅比较大，正在作画背对观众的可能就是画家自己。全画空间感很强，主要是通过地面上的黑白格子来体现的。前景、中景和后景的处理极有层次，给人以很强的纵深感。

霍达《静物》

（油画，44.5×62厘米，1634年作，阿姆斯特丹国立美术馆藏）

霍达，又译作“海达”，17世纪荷兰著名静物画家。由于17世纪的荷兰，市民过着安定富裕的生活，注意美化生活环境，讲究饮食器具，静物画成为一个很受市民欢迎的画种。为适应市民不同的审美需求，荷兰静物画家往往专攻某一题材，在描绘物象的能力方面达到了极高的水平。霍达的静物画是他首创的“早餐桌静物画”，描写早餐桌上的各种器具，不仅造型准确，而且把各种不同的质感也表现得十分逼真。

霍达，静物画主要描绘与人有关的物品的美感，画家着力描绘它们形体

的质感、量感、空间感。17世纪荷兰著名静物画家。由于17世纪的荷兰，市民过着安定富裕的生活，注意美化生活环境，讲究饮食器具，静物画成为一个很受市民欢迎的画种。物品的组合所呈现的形象同样体现一定的时代精神和画家的审美情趣，在静物画中只见物、不见人，但是我们观赏静物画时，有见物如见人之感，因为从物象

中我们看到它主人的生活、思想感情和审美趣味。霍达描绘静物的题材比较专一，他所表现的题材比较集中于金属与玻璃器皿。他从这些具有

反光效果的器物中发现了绘画色彩的表现力，他喜欢画金银玻璃餐具配上各种点心食品，组

合成一幅幅贵族早餐的遗物，所以人们称他的静物画为“早餐画”。画中的静物经过画家精心的选择和摆设，使其充满庄重、神圣的高贵气息，可以从物联想到

主人的贵族地位和绅士风度。物象的摆设透现出主人的地位，仿佛主人刚刚用餐之后留下的

杯盘狼藉状态。物象本身也具备独立的审美价值，杯盘精致的金银工艺制作，具有造型美和

质地美，剔透的玻璃器皿上的反光，具有视觉上的触摸感，人们会疑为物体本身。霍达的静物描绘细腻，不见笔痕，只有物象的形态、质感、光和空间感，这种静物画我们称

之为古典画法的静物画，它带有巴洛克艺术的装饰成份，但不见虚浮夸张，格外庄重、真实

。

第五课

传统与革新──从巴洛克艺术到浪漫主义

（2）古典主义到浪漫主义

美术作品资料：

凡尔赛宫

凡尔赛宫原是法国王宫，在巴黎西南，是欧洲最宏大、最辉煌的宫殿，占地300公顷，集建筑、园林、绘画、雕塑之大成，集中体现了十七八世纪欧洲艺术和技术的成就。凡尔赛本是狩猎场，路易十三曾在此建筑一座砖砌的三合院式猎庄。1661年路易十四决定在这里建造凡尔赛宫，以显示封建君权的威严。当时由建筑师勒沃主持。但它现有的规模和面貌主要是在1678年—1688年间，由古典主义建筑的代表人物孟莎确定的。他设计的凡尔赛宫南北两翼，总长度达402米。南翼是王子和亲王们的住处，北翼是法国中央政府办公场所。在中央部分的西南，孟莎设计并建造了凡尔赛宫最主要的大厅。即长73米、宽10米、高13米的镜厅。凡尔赛宫最后完成于1756年路易十五时期。此外，宫殿西边有面积约6.7平方公里的花园，其规模在世界皇家园林中首屈一指，是法国园林艺术的典范，设计者是法国著名造园家勒诺特尔。凡尔赛宫在整体布局和建筑、园林等方面，都是以后欧洲一些国家模仿的对象。

凡尔赛宫镜厅

凡尔赛宫最豪华瑰丽的大厅，又称“镜廊”。由建筑师孟莎设计。整个大厅长73米、宽10米、高13米，室内用乳白和浅紫大理石贴面，廊柱则用绿色大理石贴面，柱头和柱础镀金，檐壁和各种花饰都用金色。厅的拱顶是由当时著名画家勒布伦绘制的巨幅油画，表现路易十四在位时的功绩。大厅一侧是17扇朝花园而开的巨大拱形窗门，另一侧则是17面落地大镜子，由483块镜片镶嵌而成，它把对面窗外的蓝天、园景映照在镜子之中，使室内显得更加丰富，“镜厅”之名则由此而来。当年厅内燃烧蜡烛时，几千支烛光经镜面反射，使大厅显得无比辉煌。此厅之所以如此豪华，因为这是宫廷举行大型招待会和国王接见外国高级使团的场所，相当于中国北京故宫的太和殿。

《阿卡迪亚的牧人》

普桑的艺术素养决定他选择一些具有“崇高风格”的绘画题材，他画的人物也是按照希腊、罗马的雕刻形象来塑造的。他认为这些形象的可贵处，在于符合了一种“典范”，所以他画的人物从不来自实际生活。这一幅著名的《阿卡迪亚的牧人》含义较晦涩，一直是美术史上莫测高深的难解作品。“阿卡迪亚”，即古代传说中一个世外桃源式的“乐土”。画上展现一块宁静的旷野之地，和煦的阳光照在仅有几棵荒疏林木的墓地前；背景是一片明净的蓝天。四个牧人，头戴花冠，各拿牧杖，正围在一块墓碑前在研读着铭文。一个连腮胡须的牧人跪着读出碑上铭文，并回过头来向右侧的一个女牧人说着什么，石上

的拉丁铭文是：“即使在阿卡迪亚也有我。”

据美术史家的解释，这里的“我”，是指“死神”。那末，铭文的意思似乎是说：

“在美好的乐土里，死也是不可避免的。”显然，这是一种“风光虽好，人生苦短”的感叹。我们从左侧一个伏在墓顶上的牧人的表情看，他低着头，似有缅怀之情，与左边站立着的女牧人形成对比。女牧人身着黄衣蓝裙，是全画最跳突的色彩。这个女性形象费人猜思，据说，她是美好人生的象征。她虽含颌垂首，默默倾听着铭文，却给人以一种抚慰感。疑虑与抚慰，惆怅与哀思，围绕着一个人生的哲理问题，让人紧紧思索。

这里的女牧人与男牧人构成了形象化的一种情绪对比。似乎隐隐地在向观者表白：“死何足惧?阿卡迪亚毕竟是世人的向往之地。”

这种非现实的牧歌式悲凉情调，在一定程度上，表露了画家当时的处境与对艺术的憧憬。画上人物的服饰都是仿效希腊雕刻风格的。他始终把这种形象视为艺术的崇高表现。不过对于西方人来说，也许确能发思古之幽情。

《强夺萨宾的妇女》

住在台伯河东岸山岳地区的萨宾人是古代意大利的一个部落。

普鲁塔克的《名人传》讲述了古代罗马人的这样一个故事：罗马城的创建者罗慕洛看到他的城市中挤满了外来的流浪汉，这些人没有妻室，被当作乌合之众、他为了保证未来城市中人口的发展和与萨宾人融台和结伙的目的，筹划了一个强夺萨宾妇女的行动。

罗慕洛先向外界散布传言，说他发现了埋藏在地下的某一神灵的圣坛；而他要为这个圣坛举行盛大的献祭仪式，要举行各种游乐活动，盛大的场面将向所有人开放。于是，许许多多的人，包括萨宾人都成群结队地来了。罗慕洛身穿披风坐在众头领的中间。他与部下商定了暗号，若是他站起来，叠起披风然后又将它披到身上，这就是动手的时刻了。一切都依计而行，罗慕洛暗号一发，罗马的士兵抽出刀箭呼喊上前，他们并不伤害男人，只是把他们赶走，而把萨宾人未婚的女人全部抢去。普鲁塔克说：“罗马人并不是因为淫乱才干了这桩抢劫，甚至也不是出于恶作剧的念头，相反倒是怀着一个坚定不移的目的，即想使两个部族的人以最有力的结合团结起来，融合在一起。”

美术史上有许多画家画过强夺萨宾妇女这个题材，法国画家普桑就画过两幅这同一题材的油画。在作于1637年至1638年的这幅画上，背景是庄严的古罗马建筑，身着红色披风、手握权杖的罗慕洛与众将领站在台阶上。虽然眼前的场景激烈混乱，但一点也不影响罗慕洛他们的泰然自若，因为这一切都是在他们的导演下进行的。远处可看到持刀剑的罗马土兵在驱赶萨宾的男人；前景中几个强悍的罗马人正在抢掠萨宾的妇女，女人们在奋力地挣扎；萨宾的老人有的在与罗马人搏斗，有的无助地看着这一突如其来的事变而束手无策；孩子们在地上哭泣……天空中的乌云渲染了这种动乱的气氛。

达维特《荷拉斯兄弟的宣誓》

达维特（1748年—1825年）是法国大革命时期最杰出的画家、新古典主义美术的主要代表。他生于巴黎一个中产阶级家庭。1766年师从皇家绘画雕刻学院历史画家维恩。1774年获得去意大利深造的大奖。翌年前往意大利研究美术，深受古典美术影响。1780年回到巴黎，创作了取材于古罗马历史题材的《沦为乞丐的贝利萨里》，客观上起到了影射法国封建专制君主的昏庸和残暴的作用，受到了法国启蒙思想家狄德罗和进步舆论家的赞扬。1784年再次去罗马，创作了又一件古罗马历史题材的历史画《荷拉斯兄弟的宣誓》，有力地歌颂了古罗马人为了共和国的利益而勇敢地去格斗的英雄主义精神。

油画《荷拉斯兄弟的宣誓》，原是法国皇帝路易十六的订件，但达维特并没有按照统治阶级的意愿去画，而是赋予这一古罗马历史故事（罗马城和邻城阿尔巴交战，双方各派三兄弟格斗，以定胜负。而双方之间有着姻亲关系。但是，代表罗马城的荷拉斯三兄弟毅然挺身而出，大义灭亲）以鲜明的主题──个人情感要服从国家的利益。画面上采用对比的手法，表现了这两种矛盾情感的冲突。中心位置上的荷拉斯三兄弟在出征前，从父亲手中接过武器并庄严宣誓；画面右下角的三兄弟的母亲、妻儿和姐妹则陷入个人的情感而感到哀伤，笼罩在一片忧虑和悲哀的气氛中。她们的行为反衬出三兄弟出征前的英雄气概，突出了画的主题。整个画面构图严谨、均衡对称，造型坚实，体现了新古典主义美术的重要特征。

《马拉之死》

达维特是法国著名画家，古典主义画派的奠基人。1784年他创作的《荷拉斯兄弟的誓言》一举成名，其古典英雄主义主题、庄重的色彩和严谨的构图成为古典主义画派的代表作。《马拉之死》是他1793年创作的作品。

图中人物是让·宝罗·马拉，他是法国大革命中雅各宾派最热情的领导人之一，他也是大卫的朋友。为了革命工作他常常躲在地窖里，因而染上了湿疹。为此他每天得花几个小时躺在浴缸里，一边治疗，一边处理公务或进行写作。右翼保皇党分子夏洛帝·柯黛以申请困难救济为名，潜入浴室，将其杀死在浴缸里。

画面上强烈的形象是马拉遇刺所留下的写照。画家只把最重要的部分放进画中，构图分上下部分：上半部分是空旷而幽深。下半部分，明亮的光线从左侧射入，照亮马拉的身躯和面部；马拉身体松弛无力，脸上露出愤怒而痛苦的表情，胸口流血，他下垂的右臂突破无情的水平线，他的左手仍握着那谋杀者得以进屋的信，凶器被抛在地上。其用色明快且单纯，写实的表现方式具有纪念碑似的立体感。

画家达维特抨击前代花哨的洛可可风格，而提倡回归古典的理念。作为活跃的革命分子，他用他的画笔唤起了人们单纯质朴的感情和坚贞的正义感。

安格尔《浴女》

安格尔（1780年—1867年）是19世纪法国古典主义绘画的重要代表人物。他的绘画的主要特点是线条工整，轮廓准确，色彩明快，构图严谨，具有一种典雅的美。他一生画了大量作品，其中以肖像画、女性人体画和素描最为突出。

这是安格尔早期的代表作，但它已经清楚地显示出安格尔的艺术追求。安格尔年轻时就非常崇拜古典艺术。十五岁时他看到一张从意大利带回来的拉斐尔的《椅中圣母》的印刷品，激动得热泪盈眶。以后他就决心要创造一种符合古典原则的理想美。这件女性人体作品便是这种艺术追求的具体体现。画家以准确的线条、细腻的笔触，描绘出女性人体的曲线美，尤其强调女性人体背部的圆润与柔美。它给人的感觉是一种单纯的形体美的欣赏。当然，从中也看到了安格尔坚实的素描功底，简洁、流畅的线条所包含的韵律和音乐感。

《泉》

是安格尔一生追求的美神，也是他一贯倡导的“要拜倒在美前去研究美”的典范。西方一位评论家说：“这位少女是画家衰老的产儿，她的美姿却超过了所有女子，她集中了她们各自的美于一身，形象富有生气和更理想化了。”的确像画中如此完美的女子在现实生活中是没有的。在这幅《泉》中，安格尔把他心中长期积淀的古典美与写实的现实美完美地结合了起来。这幅画的奥秘在于画家表现了人体姿态从不平衡向平衡的变化，抓住了人体内部力的微妙关系，即左倾斜的双肩和向右倾斜的胯部、向上的用力和向下倾倒的水罐，前趋的右膝和后绷的左腿都体现了力而打破了平衡。在她身体的这种曲线运动中，展示出一种类似水波的曲线，这种身体的曲线使得那从水罐里流出来的直线形水柱相形见拙，通过这些形式，使这位恬静的少女比那股流出来的水柱更加具有活力。

《大宫女》

这一幅《大宫女》（这时法国的贵族上层对具有强烈的东方情调的土耳其内宫生活极感兴趣，一些画家为满足贵族这种视觉需要刻意去描绘土耳其闺房的淫艳生活。安格尔先后画过好几幅土耳其宫女的形象。《大宫女》这一画题是为区别他的另一幅油画《宫女》）就是这时期他描绘裸女题材的代表作之一。

这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。人们说，作为达维特的学生，安格尔走得太远了。他们讽刺说：“安格尔先生画活人，就象几何学家画固体一样。为使其预算好的线条赋予素描以立体感，他什么事都做了！他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小，就象普洛克鲁斯特床上的俘虏（Procrustes; 传说中的古希腊强盗，缚其俘虏于铁床上，如身长过榻则断其足，如不及则强伸之使与榻等）一样随意伸缩。有时他感到沮丧，便不再去加强这种可诅咒的立体感，开始使轮廓完善。这就叫舍本求末，用刀鞘代替宝剑来决斗。” 评论家德·凯拉特里说得较为中肯些，他曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得就更中肯：“他可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她

如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了。” 这幅《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。”安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性，但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。从历史的角度去认识，我们觉得安格尔具有他的探索勇气，尽管他所画的这个人物是有着很大的虚构性。

威廉姆.阿道尔夫.布格霍

法国19世纪上半叶法国学院派绘画的最重要人物，新古典主义的代表人物之一，也是唯美主义的代表人物之一。他以神话和寓言题材的绘画吸引大批追随者。一生获得多种殊荣，成为当时法国最著名的画家。其作品以高度完整、技法全面和擅长表现多愁善感的题材为特征。在当时的年代，他的画非常受欢迎，特别受到英美两国民众的青睐。大众对于他那种对唯美的诠释感到不可思议且喜爱万分，可以说是继安格尔以后的另一个把古典美发挥得淋漓尽致的巨匠。

从1851年《兄弟之爱》开始，他绘制了大批的乡村田园情调的作品，农妇、乡下小孩、流浪者、吉普赛女郎、牧羊女等等都成为他作品下单纯、善良、美丽的形象，其身上穿着的衬衫、格子图案的意大利地方服饰、绝不重覆的服饰配搭是他在意大利四年所看到并记录下来的，且自画家魔术般的手底下都成了一幅幅赏心悦目且色彩瑰丽的诗歌般的作品，而从画中也阐述了他对理想生活的向往与唯美情怀的追求。在当时的年代，他的画非常受欢迎，特别受到英美两国民众的青睐。大众对于他那种对唯美的诠释感到不可思议且喜爱万分，可以说是继安格尔以后的另一个把古典美发挥得淋漓尽致的巨匠。

席里柯《梅杜萨之筏》

席里柯（1791年—1824年），又译作“热里科”，是法国浪漫主义美术的先驱者。他的《梅杜萨之筏》是一幅使当时画坛引起强烈争议的作品。它取材于当时法国的一起严重海难事件，即海军战舰“梅杜萨号”在开往非洲塞内加尔的途中不幸沉没。军官们自己逃生，仅有一只临时搭建的救生筏载着一些乘客，许多人因此丧生。只有最后剩下的几个人遇到搭救才幸免于难。席里柯以幸存者的叙述作为他创作的素材，并对尸体、重危病人等画中要描绘的场景画了许多写生，在此基础上完成了这一作品。描写筏上的幸存者突然见到远处一艘轮船时，挣扎着起来呼救的一刹那。席里柯通过上升的金字塔形的构图，有层次有节奏地把人们由死亡、绝望、痛苦挣扎升华到希望得救的激情上，激起

观众的种种联想。加上森严的色调，强烈的光影对比，更增强了这一悲剧事件的气氛和震撼人心的力量。但是，当时许多习惯于旧传统的美术家认为这是离经叛道的作品。当然，不久就证明，这幅作品为法国浪漫主义美术冲破古典传统的束缚开辟了道路。

戈雅《1808年5月3日的屠杀》

戈雅（1746年—1828年）是18世纪末至19世纪初西班牙最杰出的画家。他擅长油画和版画。绘画的题材十分广泛。他的许多宫廷人物的肖像画，重视客观对象的真实性，即使描绘国王全家的《查理四世一家》也不例外。他最突出的成就表现在一系列深刻地反映了西班牙社会生活和现实斗争的作品，如铜版组画《狂想曲》、《战争的灾难》，油画《1808年5月2日的起义》和《1808年5月3日的屠杀》等。他的艺术对欧洲19世纪浪漫主义和现实主义美术有重要的影响。油画《1808年5月3日的屠杀》更准确的名称应为《1808年5月3日夜枪杀起义者》。戈雅创作这幅作品时同时创作了《1808年5月2日的起义》。这两幅作品是表现西班牙同一革命斗争的不朽名作。5月2日的起义是表现西班牙首都马德里人民武装起义者与拿破仑入侵西班牙的法国雇佣军短兵相接，激烈厮杀的场面。不幸起义失败了。第二天即5月3日夜间，法国雇佣军在马德里皇宫附近的太子山旁开始了对起义者的血腥镇压。被枪杀的起义者中有市民、农民和僧侣等。这就是《1808年5月3日夜枪杀起义者》一画所表现的事件。画家在这幅作品中，着重突出了这一事件的悲壮气氛。独具匠心的是画面中的那只地面方形灯的处理。这是茫茫黑夜中唯一的光源。它把敌我双方的尖锐斗争表现得十分清楚。既使人看到了法国侵略者的残暴，更使人目睹了西班牙革命者面对死亡所表现出的大无畏的英雄气概：最前面的起义者高举双手，面对敌人的枪口，怒目而视，情绪激愤，毫无惧色，全身被灯光所照亮，显得更加突出。通过人物形象突出了起义者可歌可泣的斗争精神。他周围的其他起义者面对死亡所表现出的复杂的神态，是与他们的不同身份和性格密切相关的。画面上方的茫茫夜空以及笼罩在黑暗中的马德里城郭，既是现实生活的真实写照，又象征着当时的西班牙正处于黎明前的黑暗之中。

吕德《马赛曲》

（大理石，巴黎大凯旋门）

吕德（1784年—1855年）是19世纪上半期法国最著名的雕刻家。安放在巴黎大凯旋门上的浮雕《马赛曲》是他不朽的杰作。这一作品原名《1792年义勇军出征》。它表现1792年法国人民在反抗普鲁士和奥地利等封建帝国的战争中，马赛的一支义勇军开赴巴黎参加战斗的历史事件。当时这支义勇军是高唱着一支斗志昂扬的军歌雄赳赳地开赴巴黎的。巴黎的市民们称这首军歌为《马赛曲》，1795年这首歌被正式定为法国国歌。吕德的这一浮雕也简称为《马赛曲》。这是一件结构严谨统一、人物情绪激昂奔放、运动感急速有力、极富艺术感染力的高浮雕。整个浮雕分为两层：上层是右手执剑、左手振臂高呼象征法兰西和民主自由的女神，下层的各种人物与上面的自由女神相呼应，并且突出男女老少万众一心，奋起保卫祖国的主题思想。它充分反映了法国资产阶级

革命时期广大人民群众昂扬的斗争精神。它与德拉克洛瓦的名画《自由引导人民》具有异曲同工之妙。

应当谈到的是，19世纪法国最杰出的雕塑家罗丹，曾与他的秘书葛赛尔谈到过他对吕德的《马赛曲》的理解。全文转录罗丹的这一理解，对欣赏《马赛曲》是很有帮助的。

罗丹说：“‘武装起来，公民们！’胸前披着铜甲，展开双翼飞驰而过的自由之神，在用力呼喊着。她的左臂高举在空中，把所有的勇士集合到她身边；另一只手持着短剑，指向敌人。

“毫无疑问，最先看到的就是她，因为她支配着整个的作品；她跨开腿像要奔跑，如同用强音唱出高昂的战歌。

“甚至似乎听到她的声音：因为她那雕成的嘴似乎正在震耳欲聋地呼喊着。于是，经她一号召，战士们纷纷前来。

“下面是动作的第二阶段：一个有着狮子般的髭须的高卢人挥动着他的帽子，他像在向女神致敬。现在你瞧，他的小儿子要求和他同去：‘我已够强壮的了，我是一个男人，我要去打仗！’孩子紧握剑柄，好像这样说。‘来吧！’父亲说，他用骄傲的慈爱望着他的儿子。

“动作的第三阶段：一个老兵，在全部装备的重量下弯着腰，尽最大的努力紧紧跟随，因为他要用最后的力量前往作战。另一个上了年纪的人，一心要追随这些战士，他做着手势，好像在申述他从经历中得来的教训。

“第四阶段：一个弓手，弯着筋肉坚实的背，正在拉他的弓，一个号兵向队伍吹出激昂的号音。旗帜在大风里飘扬，枪矛一齐簇到前面。信号已经发出，战斗已经展开了。”

德拉克洛瓦《自由引导人民》

德拉克洛瓦从1822年二十四岁开始，首先以《但丁之筏》入选沙龙，受到当时名家柯罗称赞；接着于1824年的《希阿岛的屠杀》和1827年《萨达那帕勒斯之死》等人作相继送到沙龙，结果由于奔放构图和灿烂色彩及大胆手法，不断引起激烈抨击，尤其学院派的反对最为剧烈。德拉克洛瓦表现出令人钦佩的冷静，人们对他的非难与攻击越是剧烈，他越勤奋地以新的作品来回答他们。他把绘画艺术从学院派和古典主义的桎梏中解放出来。他的创作是以人民争取自由的题材、对于人物情感的深入刻画、大胆的构图和绚烂的色彩为主要特征的。他的《自由引导人民》一画是最具浪漫主义色彩的作品之一。虽在晚年制作大幅绘画时偶尔也请助手帮忙，但都是临时性的，一辈子没收过正式学徒。这个原因也可能是由于浪漫派根本就是仰赖于发自个人感情为基础的艺术，不像古典主义那样有固定形式可传授。

德拉克洛瓦（1798年—1863年）是19世纪法国浪漫主义绘画杰出的代表。他的艺术具有承前启后的作用。他把绘画艺术从学院派和古典主义的桎梏中解放出来。他的创作是以人民争取自由的题材、对于人物情感的深入刻画、大胆的构图和绚烂的色彩为主要特征的。他的《自由引导人民》一画是最具浪漫主义色彩的作品之一。

此画取材于法国1830年的“七月革命”，它是法国人民反对波旁王朝复辟封建专制主义的斗争。因它发生在1830年7月27日～29日，所以此画又名《1830年7月27日的起义》。德拉克洛瓦亲眼目睹了这一革命事件。同年他就创作了这一作品。德拉克洛瓦在这幅作品中，大胆地将寓意象征和真实的现实生活场景很好地结合在一起。画中的主要人物是一个燃烧着战斗热情的象征自由的女性，她那强壮的手臂毫不费力地持着装有刺刀的步枪和法兰西共和国的三色旗。她虽然袒开胸部，但毫无温柔或淫荡之嫌。她那有力的双腿跨过街垒，冒着炮火，带领战士们前进。虽然这是一个象征性的人物，但画家把她塑造成一个活生生的人物。她身穿法国妇女的服装，只有她头上的那顶弗吉利亚帽（摹仿古罗马时期解放了的奴隶所戴的帽子，法国第一共和国时期曾以此作为自由的象征）和几乎是一种古典风格的人物造型，体现了她的寓意象征。她是法国人民争取自由精神的化身，正是她引导人民走向胜利。跟随她的人中有激昂的工人和市民等。她左侧的手拿双枪的少年，进一步突出了这次革命的广泛群众性。她右侧的面向画面中心比较突出的人物是一个资产阶级的绅士，他身穿流行的长礼服，头戴大礼帽，留着络腮胡子，手持滑膛枪。正是他所代表的资产阶级控制了这次革命。这次革命的结果不过是以波旁宗族中比较开明的一派势力代替了反动的波旁王朝的统治。在画面下方的阴影里，受伤和即将死去的战士横卧在碎石中。一位战士目视着自由的化身。她既是他们的理想，又是他们战斗的动力。透过画面右侧的硝烟，人们可以看到远处巴黎圣母院的塔楼。争取自由的主题，强烈的激情，色与光相融合的对比，奔放有力的笔触，这一切就是这幅作品的主要成功之处。

（英）透纳《暴风雪中的汽船》

透纳（1775年—1851年）是19世纪英国最杰出的风景画家之一。他的风景画没有传统的那种单纯的和谐，而是追求动荡不安的戏剧性效果，以及令人目眩的奇光异彩。在用色上，大胆地突破了古典油画的模式，极大地提高了油画的主要艺术语言──色彩的表现力。所以有“色彩的魔术师”之称。

《暴风雪中的汽船》，是透纳早期的作品。他把荷兰风格的传统海景画与当时英国突出的社会问题──频繁的海难事件，结合在一起。画面上，滚滚巨浪汹涌澎湃，歪斜的桅杆和船帆在不断碰撞，船上乱作一团的人们正在作绝望的挣扎。全画充满着极其令人不安的悲剧气氛。用色上，虽然还没有像他后期的作品那样，追求令人目眩的奇光异彩，但已表现了从现实场景中发掘真实的色彩关系的创作倾向。

《九级浪》

艾伊瓦佐夫斯基：出生在今亚美尼亚境内的一个商人家庭。16岁考入彼得堡美术学院，进伏罗比叶夫的工作室，18岁时就已画出成功的海景画，他以《风平浪静》一画获奖而使他有机会云游四方，饱览欧洲各地的海岸风光。23岁的画家赴意大利学习考察，画了一些富有浪漫主义情调的海景画，很快赢得了声

誉。欧洲各国的美术学院竞相聘他。在那不勒斯时受到俄国大作家果戈里和大画家伊凡诺夫的鼓励。尔后又访问欧洲各国。27岁时回到彼得堡，科学院授于他院士称号，海军部聘他为海军画家。荣誉和财富接踵而至，但他并不迷醉于此，一年后毅然离开彼得堡回到故乡建立了自己的画室，专门描绘大海景色。艾伊瓦佐夫斯基善于描绘海上夜景，特别是画风暴海浪，名作《九级浪》令观者惊心动魄。他的海景画是通过表现大自然的力量，借以传达俄国人民的大无畏英雄主义精神。普希金和俄国作曲家格林卡称他是海洋的热情歌手，令英国风景画家透纳赞不绝口。

九级浪表现的是风暴中飘泊的人们，他们栖居在帆船的残余物上，为了生存，拼命挣扎，狂风巨浪，呼啸而来。暴风雨中的船与人，表现了人与大自然的抗衡，表现了自然的巨大力量与不可抗拒性。画面气势逼人，色彩动人，借以烘托人的大无畏精神。这是一幅关于人和自然的颂歌，使人震动，也使人动情，给人以难忘的印象。

弗里德里希《海边修士》

（油画，110×170厘米，1810年作）

弗里德里希（1774年—1840年），德国浪漫主义风景画大师。他认为，风景画应当是写实与象征意义相结合，自然景观与宗教情感相结合，天地万物与心灵世界的交融。他的代表作《海边修士》就是这种艺术主张的具体体现。此画看似极其简洁、单纯，但由于自然地融入了画家对客观世界的主观感受，整个作品表现出一种富有诗意的孤寂感，给人以丰富的联想。